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편집자 주
후암동 미술관은 무한한 디지털 공간에 걸맞은 초장편 문화예술 스토리텔링 연재물의 ‘원조 맛집’입니다. ■기자 구독■을 누르시면 매 주말 풍성한 예술 이야기를 즐기실 수 있습니다. 기사는 역사적 사실 기반에 일부 상상력을 더한 스토리텔링 방식으로 쓰였습니다.
삐친 채 늘어진 소녀
‘있는 그대로’ 그리다
국민카드대환대출메리 카사트, 푸른 의자에 앉은 소녀(일부 확대), 1878, 캔버스에 유채, 89.5x129.8cm, 내셔널 갤러리 오브 아트
[헤럴드경제=이원율 기자] “아가. 예쁘게 입었으면 가만히 있어야….”
홱. 소녀는 어머니 말이 끝나기도 전에 고개를 돌렸다. 심통이 난 모양이었 기아자동차 구매프로그램 다.
사실, 그럴 만했다. 늘어지게 잘 수 있는 휴일. 소녀는 지금 당장 쉴 수 없는 게 못마땅했다. 체크무늬 장식과 레이스가 달린 옷, 버클 달린 구두…. 이런 불편한 차림새로 왜 ‘가만히’ 있어야 하는지도 이해하지 못했다.
소녀는 파란색 안락의자에 벌러덩 누웠다. 곱게 땋은 머리칼로 등받이를 눌렀다. 팔을 뒤로 넘겨 파산면책전문 목에 대고, 두 다리는 편하게 벌렸다. 아이라기보단, 삶이 권태로운 어른의 모습 같았다. “아가. 턱을 들고, 허리를 세우고… 숙녀면 얌전하게 있어야 하는 거야. 그래야 작품도 예쁘게 나온단다.” 어머니가 잔소리를 했지만, 이 또한 못 들은 척이었다.
“카사트 씨. 죄송해요. 모처럼 시간을 내 그림을 그려주시는데….”
“ 자연산활어 괜찮아요. 정말 괜찮아요.” 화가메리 카사트는 모델 소녀의 심술 앞에서도 별말이 없었다. 카사트는 그저 붓을 놀렸다. 눈치 따위 보지 않는 아이의 모습을 옮겨담는 데 집중할 뿐이었다.
메리 카사트, 푸른 의자에 앉은 소녀, 1878, 캔버스에 유채, 89.5x129.8cm, 주식대출사이트 내셔널 갤러리 오브 아트
<푸른 의자에 앉은 소녀>.
그렇게 해 나온 그림이었다. 은은한 빛, 청아한 가구, 잠든 강아지, 그리고… 잔뜩 토라진 소녀. 당시 여자아이 그림이라고 하면, 보통은 고요함 내지 얌전함의 분위기가 서려 있곤 했다. 화폭에는 우수에 찬 눈빛과 바른 자세가 있고, 꽃과 책, 작은 공 등 앙증맞은 소품이 함께 하곤 했다. 하지만, 카사트의 작품에는 그런 게 없었다. 작은 강아지 한 마리가 있긴 하다. 하지만, 잠든 듯 얌전한 모습이 외려 소녀의 삐친 얼굴만 더 부각하는 모습이다.
메리 카사트, 푸른 의자에 앉은 소녀, 1878, 캔버스에 유채, 89.5x129.8cm, 내셔널 갤러리 오브 아트
그러니까, 이것은 결코 보통의 소녀 초상화로는 볼 수 없었다.
카사트도 꼬마 모델의 태도에 기분이 상했을까. 그래서 그림으로 골탕을 먹이려 했을까.
아니었다. 당시 서른넷의 카사트. 그녀는 어린 소녀의 당돌함을 진심으로 좋아하고 있었을 것이다. 여자라는 틀, 아이라는 테두리에 갇히지 않은 자세에 깊이 감명 받았을 것이다. 이 작품은 그런 마음가짐에 대한 헌사(獻辭)였다.
사실, 카사트는 붓질하는 내내 소녀에게 깊이 공감도 하고 있었으리라. 그녀 또한 이 아이처럼, 평생을 시선에 얽매이지 않는 삶을 살고자 했기에. 그녀는 작업을 마친 후 아이에게 이런 말을 했을지도 모른다. “그 성깔을 소중하게 간직하렴”이라고.
뼈있는 농담같은 그림
쌉싸름한 뒷맛을 주다
메리 카사트, 검은색과 녹색 보닛을 쓴 채 밑을 보는 여성, 1890년경, 파스텔, 52x65cm, 프린스턴 대학교 미술관
화가 메리 카사트.
그녀는 19세기 인상파 화가 중에서도 가장 급진적인 인물 중 한 명이었다.
카사트는 특히나 당시 여성에게 따라붙는 관례 비틀기에 심혈을 기울였다. 그녀는 사회가 바란 여성의 조신한 상을 내몰고, 되레 이들을 활력있는 주체로 내보이기에 망설임이 없었다. 이는 용기였다. 대단한 도전이었다.
에두아르 마네, 풀밭 위의 점심 식사, 1863, 캔버스에 유채, 208x264.5cm, 오르세 미술관
당시 서양 여성 대부분은 혼자선 제대로 산책조차 할 수 없는 신세였다. 어쩌다 홀로 바람을 쐬면 매춘부로 오해도 받던 시대였다. 동시대 화가 에두아르 마네의 <풀밭 위의 점심 식사>는 왜 공개 즉시 논란작이 됐을까. 그 시절 보통 여성이 바깥에서 옷을 벗은 일부터도 당연히 문제였지만, 그러고선 정면을 ‘당당히’ 보는 모습이 더욱 파격으로 다가왔기 때문이었다. 그랬다. 아직은 그런 세상이었다.
카사트의 그림은 마네의 결과물만큼 단번에 큰 파급을 부르지는 않았다.
하지만, 그녀의 결과물에는 뼈 있는 농담처럼 쌉싸름한 뒷맛이 있었다. 그것은 꾸준하고, 은근하기까지 했다. 때로는 빠지지 않는 가시 하나가 혼신의 주먹질만큼이나 아픈 법이다. 카사트가 택한 길은 전자였다.
밟을수록 커져가는 불씨
빛의 화가들과 의기투합
메리 카사트, 분홍 허리띠, 1898
카사트는 1844년 미국 펜실베이니아 엘러게이니에서 출생했다.
아버지는 주식과 부동산업, 어머니는 금융업으로 부를 쌓은 가문 출신이었다. 그만큼 집안은 부유했다. 어릴 적 카사트는 부모와 함께 유럽을 돌았다. 그러다 1855년, 프랑스 파리 만국 박람회에서 각국의 대표 회화를 봤다. 카사트는 이날부터 미술과 사랑에 빠졌다. 특히나 장-오귀스트-도미니크 앵그르의 섬세한 붓질, 외젠 들라크루아의 풍부한 색채는 환희 이상의 황홀함을 드리웠다. 진지하게 그림을 업으로 삼기를 생각한 순간이었다. 이때 나이는 열한 살이었다.
메리 카사트, 인 더 박스, 1879년경, 캔버스에 유채, 43.1x60.9cm, 개인소장
화가? 그냥 화가도 쉽지 않은데 심지어 여성 화가?
현실의 벽은 높았다. “이건 돈과 재능 문제가 아니고, 시대의 문제란다.” 당장 아버지부터 이런 반응이었다. 카사트는 그래도 꿋꿋하게 걸었다. 1859년께, 열다섯 살 무렵에는 펜실베이니아 미술학원을 찾았다. 카사트는 그때부터도 차별을 겪었다. 학교는 그녀를 놓고선 진도도 느리게 빼고, 교구(敎具) 사용에도 제한을 뒀다. 교사들은 으스댔다. 여자가 무슨 예술을 하느냐는 식의 말도 쉽게 했다.
카사트는 1866년에 파리로 몸을 옮겼다. 하지만, 이 도시도 여자와 예술 사이 거리를 두는 건 여전했다. 카사트는 그곳에서도 박물관을 돌며 명화를 모사하는 일 정도로 만족해야 했다. 당시 파리의 예술 명문, 에콜 데 보자르(파리 국립고등미술학교). 그곳조차도 여성이라고 하면 아예 받지를 않았으니.
그러나 카사트의 불씨는 밟을수록 커지는 듯했다.
그녀는 당대 유명 화가 장-레옹 제롬 등의 개인 작업실을 찾아갔다. 직접 수업료를 내고 교습을 받았다. 들리는 설에 따르면, 당시 카사트에게는 이미 중견 화가급의 데생 실력이 있었다고 한다. 소외와 무시 틈에서도 착실히 실력을 갈고닦은 모습이었다.
메리 카사트, 만돌린 연주자, 1868, 캔버스에 유채, 92x73.5cm
카사트는 곧 실력도 인정받았다. 1868년 살롱전에서 그림 <만돌린 연주자>가 뽑힌 것이다. 다소 반항적 눈빛의 여인이 있긴 하지만, 배경은 전체적으로 차분하다. 색채와 질감 또한 비교적 고전적인 풍의 작품이었다.
하지만, 카사트는 이후 몇 번의 좌절을 맛보게 된다.
1870년, 보불(프랑스·프로이센)의 전쟁 발발. 카사트는 이 때문에 미국으로 돌아가야 했다. 쉽지 않을 것은 예상했지만, 그래도 살롱전에 이름을 올리지 않았는가. 유럽이든, 미국이든 예술가의 삶에 약간의 자신이 있었다. 그런데… 그것은 풀보다도 힘없이 꺾였다. 이 넓은 대륙에서 그림 한 점 팔기가 쉽지 않았다. “작업실을 포기하고 (…) 6주간 붓 한 번 잡지를 못했다.” 그녀는 이런 글을 쓸 만큼 절망해야 했다.
1871년 가을. 살롱전의 영광을 되새기며 파리로 돌아왔지만, 이 땅의 분위기도 묘하게 바뀌고 있었다.
예전에도 없지는 않았지만, 실력보다도 정치질의 중요성이 더더욱 커지고 있는 느낌이었다.
물론, 그럼에도 카사트는 타협하지 않았다. 그녀는 살롱전 심사위원에게 미소를 흘리지 않았다. 어떤 여성 화가들처럼 그림 실력 외 다른 신체적 매력도 어필하지 않았다. 그런 그녀는, 1877년 살롱전에서 주요 출품작이 다 거절당하는 수모를 당했다. 최악의 추락이었다.
그래도 사람 일은 모른다고 했는가.
그쯤 그녀에게 귀인이 다가왔다. 열 살 연상의 남성 화가, 에드가 드가였다. 어쩌면, 카사트보다도 더한 데생의 귀재였다. 드가가 귀인이 된 이유? 여럿 있지만, 가장 큰 건 그녀에게 새로운 세계를 알려준 덕이었을 것이다. 그 세계의 이름이 인상주의였다.
그녀를 일상속 주체로
회화의 시선을 바꾸다
메리 카사트, 칸막이 관람석에서, 1878, 캔버스에 유채, 81.2x66cm, 보스톤 순수미술 박물관
이곳은 파리 오페라 하우스.
검은색 복장의 여인이 눈에 망원경(오페라글라스)을 대고 있다. 고층 특별석에 자리를 깐 여인이 보려고 하는 건 무엇일까. 각도를 볼 때 그것은 무대가 아닌, 맞은편의 관람석일 수도 있다. 왜? 그녀의 눈빛에서 반격의 기운을 느낄 수 있어서다.
그녀는 지금 알고 있을 것이다. 건너편 남성들의 끈적한 눈빛을. 한 사내는 아예 난간에 팔을 올린 채 여인에게 대놓고 곁눈질을 하고 있다. 정작 한창 이뤄지고 있을 공연 감상은 등진 채로.
…부채로 얼굴을 가리지도 않을 테니(그 시절 여성은 부채를 얼굴 가리기용으로도 쓰곤 했다), 볼 테면 보라.
대신, 나도 똑같이 너희들을 내 볼거리로 삼겠다.
그림 속 그녀는 이런 마음일지도 모른다. 카사트의 작품,<칸막이 관람석>이다.
메리 카사트, 칸막이 관람석에서 진주 목걸이를 한 여인, 1879, 캔버스에 유채, 81.3x59.7cm, 필라델피아 미술관
그런가 하면, 한껏 꾸민 채 다소 요염한 옷을 입은 여인이 주변 모든 이를 살펴보는 <칸막이 관람석에서 진주 목걸이를 한 여인> 또한 흥미로운 작품이다.
여인은 고개를 든 채 당당한 모습을 보인다. 은은한 미소, 부채 따위는 내려놓은 여유에서 느껴지는 건 자신감이다. 그녀 또한 얌전히 사람들의 관음(觀淫) 대상이 될 생각은 없는 듯하다.
카사트는 인상주의를 알게 된 무렵부터 본격적으로 이런 작품을 찍었다.
살롱전 입맛에 맞는 얌전한 고전풍 그림 말고, 지금껏 간절히 그리고 싶었던 그림.
카사트에게는 당연히 그런 게 있었다. 본인 같은 여성을 일상 속 주체로 세우는 그림이 그것이었다. 왜 늘 주인공은 정해져 있어야 하는가. 많은 보통 화가가 그랬듯, 여성을 그저 예쁘장한 들러리로 두기는 싫었다.
카사트는 그렇게 ‘시선’을 바꿨다. 이는 주류 예술계의 비난에도 버티려는 인상파로부터 영감을 얻은 부분도 있을 것이다. 살롱전 심사위원들의 눈치에서 벗어난 점도 영향을 미쳤을 터였다.
물론, 카사트는 인상파 무리의 마이웨이 정신만 새기지는 않았다.
빛의 세밀한 표현, 자유로운 터치, 동시대인의 일상을 낚아채 포착하는 방식 등 손기술도 배울 수 있었다. 두 요소가 합쳐져 나온 게 <칸막이 관람석>과 같은 독창적 작품이었다.
메리 카사트, 운전하는 여자와 소녀, 1881, 캔버스에 유채, 89.7x130.5cm, 필라델피아 미술관
그러면, 카사트가 어쩌다<푸른 의자에 앉은 소녀>를 흔쾌히 그리게 됐는지도 이제는 확실히 알 수 있다.
카사트는 소녀에게서 주체성을 봤을 것이다. ‘여자는, 아이는 이래야 한다’는 압박에도 굴하지 않는 의지를 느꼈을 것이다. 이토록 귀한 장면을 그대로 붙들고 싶었을 터였다. 더불어 앞서 언급했듯, 본인이 지금껏 걸어온 삶을 아이의 태도에 응축(凝縮)하고자 하는 마음도 있었을 테리라.
오역할 수 있는 풍경
이 또한 바로 잡으며
주제는 행동하는 여성, 기법은 인상주의.
카사트는 그녀의 예술세계를 이렇게 채웠다. 그녀는 ‘터프한’ 여성을 띄우는 한편, 남성 시선에서 오역할 수 있는 여성의 일상을 바로잡는 일에도 나섰다.
메리 카사트, 아기를 위로하는 수잔, 1881, 캔버스에 유채, 65.1x100cm, 휴스턴 미술관
가령 <아기를 위로하는 수잔>을 보자.
어머니가 꼬마를 달랜다. 모처럼 밖으로 나온 순간, 아이가 갑자기 울상을 짓고 있어서다. 머리가 아프니? 어딘가 불편하니? 어머니가 물어본다. 대답을 듣기는 어렵다. 속만 타들어간다. 옷도 예쁘게 맞췄건만, 옆에선 붉은 꽃도 활짝 피었지만 무엇도 눈에 들어오지 않는다. 산책하는 젊은 어머니와 아기. 카사트는 이들의 외출이 그저 평화로울 수만은 없다는 걸 인지했다. 어머니는 수시로 아기 눈치를 봐야 하고, 아기는 막연히 투정을 부린다는 점을 알고 있었다. 그러니까, 당시 화가 대부분이 쉽게 떠올리던 청초한 장면은 스쳐 지나갈 뿐이라는 점 또한 꿰뚫고 있었다. 이 그림은 카사트가 이런 마음과 함께 그린 결과물일 것이다.
메리 카사트, 차(티), 1880, 캔버스에 유채, 64.7x92cm, 보스톤 순수예술 미술관
그런가 하면, 비슷한 시기에 만든 <차(티)>는 어떤가.
겉으로 보기엔 두 여성의 여유로운 ‘티 타임’이다. 하지만 보다 보면 묘한 갑갑함이 다가온다. 그것은 탁한 색감의 벽지, 무거운 복장, 커다란 다기와 둘 사이 어색한 분위기가 안고 들어오는 감정이다(이를 놓곤 미술사학자 시네이드 펄롱-클랜시 또한 “배경(소품)에서 압박감을 느낄 수 있다”고 평가한 바 있다).
사실, 당시 여성들의 차 마시는 시간은 단순히 수다의 장으로 볼 수 없었다. 그곳에서도 철저한 관습과 예절이 있었다. 많은 순간 민감한 정보가 오갔고, 때때로는 고성이 오갈 만큼 신경전도 벌어지곤 했다. 카사트는 가만 두면 쉽게 미화될 수도 있을 이 문화를 보다 현실적인 장면으로 기록했다. 이 또한 뼈 있는 농담처럼, 은근하게. 두 그림 모두 카사트가 삼십 대 후반에 만들어낸 결과물이었다.
메리 카사트, 바느질하는 젊은 어머니, 1900, 캔버스에 유채, 92.4x73.7cm, 메트로폴리탄 미술관
카사트의 손끝은 시간이 흐를수록 더 고상해졌다. 하지만, 주제 의식은 여전히 쌉싸름했다.
이는 1900년, 그녀가 삶의 원숙기에 들어선 시기에 완성한 <바느질하는 젊은 어머니>에서도 엿볼 수 있다. 어머니의 진지한 얼굴, 귀여운 딸아이의 따분한 표정은 바로 앞에서 보는 듯 생생하다. 흘러내리는 머리칼부터 줄무늬 원피스, 집중하는 손끝과 민트색 천의 주름 등 허투루 그려진 게 없다. 아름다운 장면이다. 그런데, 여기에도 은근하게 걸리는 맛이 있다. 어머니는 잠시나마 혼자 있고 싶지 않을까. 지금도 천과 바늘에 집중하고 있지 않은가. 아이가 저렇게 있으면 바느질이 잘되지는 않을 듯한데….
우아하고도 호쾌한 삶
훈장으로 인정 받았다
에드가 드가, 카드를 든 메리 카사트의 초상화, 1880~1884, 캔버스에 유채, 73.3x60cm, 영국 국립 초상화 미술관
호기심 어린 눈, 장난기가 있는 입매, 곧 일어설 듯 구부정한 모습.
카사트와 특별한 우정을 주고받은 화가, 드가가 그린<카드를 든 메리 카사트의 초상화>다. 화폭 속 카사트에게선 자신감이 보인다. 힘을 줘 뜬 눈, 감출 게 없다는 듯 훤히 내보이는 카드에서 이를 느낄 수 있다. 본인부터 평생을 이렇게 살았기에, 지금껏 다수의 예리한 그림을 그릴 수 있었을 것이다.
카사트는 평생 결혼을 하지 않았다.
그녀는 그보다 본인의 예술적 성취를 더 높게 쳤다. 지금은 작업과 결혼을 함께 이룰 수 없는 시대라는 입장을 고수했다. 그녀의 귀인 드가? 둘이 남다른 관계를 이어간 건 사실이다. 하지만 이들 사이에선 어떤 일도 일어나지 않았다고 한다.
카사트는 1904년, 프랑스 정부의 레지옹 도뇌르 훈장을 받았다. 그렇게 단순히 여성 화가가 아닌, 한 시대를 대표할 수 있는 예술가로 인정받았다. 또, 그녀가 지금껏 은근하게 내보인 여성의 주체성 또한 하나의 시대정신으로 받아들여진 순간이었다. 이때 나이는 예순 살이었다.
메리 카사트, 하계, 1894, 캔버스에 유채, 100.6x81.3cm
“…예술의 힘에 비로소 짓눌리고 말았어요.”
삶의 말년을 맞은 카사트는 점점 더 작업에 힘들어하는 모습을 보였다. 그것은 그녀를 덮친 백내장과 신경통, 당뇨와 류머티즘 등 병 때문이기도 했다. 어느덧 머리카락에도 흰 눈이 가득 내리고 있었다. 카사트는 그럼에도 계속 붓을 들었다. 평생을 그렇게 살았듯, 이번에도 압박에 밀리지 않고자 했다. 그런 그녀는 결국 1914년께 시력을 거의 잃고 말았다. 이어 10여년을 더 살다, 1926년에 사망했다. 당시 나이는 여든둘이었다.
우아하고도 호쾌한 인생.
카사트는 그런 길을 걸었다. 그녀는 매 순간 자기 삶의 주인이었다. 남들도 이를 당연하게 여겨주길 바랐다. 나아가, 비슷한 환경의 다른 이들 또한 그렇게 될 수 있길 바랐다. 그녀의 그림 상당수는 그런 마음으로 그렸을 게 분명하다. 그녀는 천박하지 않게 사회상을 꼬집었고, 야단스럽지는 않고도 확실하게 그 시대상을 지적할 줄 아는 계몽가였다. 그 결과, 끝내는 화가로의 성공과 세상의 인정을 둘 다 거머쥘 수 있었을 테리라.
참고 자료
메리 커샛, 현대 여성을 그린 화가, 그리젤다 폴록, 에이치비 프레스
Mary Cassatt at Work, Jennifer A. Thompson 등, Philadelphia Museum of Art
Mary Cassatt Between Paris and New York, Ruth E. Iskin, University of California Press
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